Voyage
Cette histoire a été produite par le programme Glimpse Correspondents.
Lors de la première guerre mondiale civile ivoirienne, en février 2011, Aboudia Abdoulaye Diarrassouba s'est échappé de son appartement à Abobo pour se rendre chez son agent Stefan Meisel, dans le quartier de Riviera Golf à Abidjan. Le 30 mars 2011, la bataille pour Abidjan a éclaté. Le jeune peintre ivoirien a été confiné à l'atelier de Stefan pendant 10 jours.
Pendant la journée, Aboudia travaillait dans le garage situé à seulement 12 mètres des ravages dans les rues d’Abidjan. Entre les accalmies, il regardait par-dessus les murs. Il a vu des corps éparpillés dans les rues. Les corps ont reçu quelques jours de grâce, puis des pneus ont été placés sur eux et mis à feu. Quand le bois et les ordures étaient ajoutés, la fumée épaisse et piquante finissait par se dissiper. Les cendres restantes ont été dispersées dans les buissons ou balayées dans le drain.
Il a peint ce qu'il a vu: «le quotidien, mon environnement, mon contexte».
Lorsqu'Aboudia n'a plus assez de fournitures, il mélange ses peintures restantes ou cherche des matériaux. Lorsqu'il s'est aventuré à l'extérieur 10 jours plus tard, il avait terminé 30 peintures.
Après dix ans de guerre civile, les expatriés deviennent des protecteurs des arts en Côte d'Ivoire
Mon petit ami Manu et moi vivons à Riviera Golf, à deux pas d'Aboudia. Nous avons déménagé de Toronto en janvier pour poursuivre de nouvelles carrières: il travaille pour une organisation qui aide les entrepreneurs à créer des entreprises durables; Je me concentre sur l'écriture freelance.
À notre arrivée, je ne pouvais voir que les vestiges de la guerre: les bâtiments noircis, les soldats armés, les grilles de fer des portes.
Un mois plus tard, je me suis efforcé de faire plus attention à mon environnement et moins au contexte dans lequel j'avais tant lu. Je pouvais voir que les cadres de maisons à moitié finis acquéraient des briques et du mortier; des barrières avaient été dressées à côté d’eux, des tables branlantes regorgeant de mangues, d’ananas et de bouteilles troubles de noix de cola.
À notre arrivée, je ne pouvais voir que les vestiges de la guerre: les bâtiments noircis, les soldats armés, les grilles de fer des portes.
Et pourtant, ce qu’Aboudia a vu l’année dernière ne s’est passé qu’à cinq minutes de chez nous.
Dans les années qui ont suivi l'indépendance en 1960, la Côte d'Ivoire était un modèle de stabilité pour l'Afrique de l'Ouest sous la présidence de Félix Houphouët-Boigny, qui a régné pendant 33 ans dans une paix relative. Houphouët-Boigny a joué un rôle déterminant dans la campagne pour l'indépendance du pays, mais a encouragé les techniciens français à rester et à développer la Côte d'Ivoire.
En 1978, la Côte d'Ivoire avait succédé au Ghana en tant que premier producteur et exportateur mondial de cacao. Le président Houphouët-Boigny a encouragé l'immigration à satisfaire la demande mondiale de cacao. Les citoyens des pays voisins comme le Mali, le Burkina Faso et la Guinée ont été séduits par la prospérité économique de la Côte d'Ivoire; en 1980, 26% de la population était étrangère. Deux ans plus tard, les recettes d'exportation ont doublé.
Mais l’avantage économique a été de courte durée: une récession mondiale, la sécheresse et une chute des prix internationaux du cacao et du café ont plongé le pays dans la crise économique. Les tensions ont augmenté en partie à cause des millions de Burknabés vivant en Côte d'Ivoire à la recherche d'un emploi. Les Ivoiriens «autochtones» en voulaient aux immigrés qu'ils accusaient maintenant d'avoir volé leurs moyens de subsistance. Après la mort de Houphouët-Boigny en 1993, le pays a commencé à dégénérer en chaos.
Les tensions entre les Ivoiriens et les immigrants ont éclaté dans la première guerre civile ivoirienne en 2002. La guerre a éclaté entre les forces du président Laurent Gbagbo - qui a attisé les flammes xénophobes du pays contre son rival, Alassane Ouattara, un musulman du nord du pays dont l'héritage ivoirien était interrogés - et les Forces nouvelles de Côte d’Ivoire, représentant les nordistes musulmans qui ont soutenu Ouattara et se sont sentis marginalisés par les sudistes chrétiens.
La guerre a pris fin en 2004, mais les soldats de la paix français et onusiens ont continué de patrouiller dans la zone séparant le nord tenu par les rebelles du sud contrôlé par le gouvernement. Les élections ont été continuellement retardées par Gbagbo et l'inquiétude générale du pays, et n'ont été tenues qu'en 2010, cinq ans après la fin du mandat de Gbagbo. Ensuite, Gbagbo a refusé de concéder la défaite à Ouattara et la deuxième guerre civile ivoirienne a commencé, faisant plus de 3000 morts.
Au cours de cette décennie de conflit, de nombreuses entreprises ont fermé ou ont déménagé, entraînant des pertes d'emplois massives. Au 30 novembre 2011, la Banque mondiale avait annoncé que quatre millions de jeunes hommes étaient au chômage dans un pays de 21 millions.
Pour les artistes de Côte d'Ivoire, la guerre civile a endommagé une infrastructure qui ne disposait que de peu de mécanismes de soutien. même en des temps moins instables, les artistes avaient du mal à gagner leur vie avec le double fardeau de dix années de conflit et de diminution des investissements étrangers (sous forme de touristes et de mécènes).
En juillet dernier, le ministre de la Culture et de la Francophonie, Maurice Bandama, avait déclaré que les projets à venir du gouvernement, qui comprenaient des festivals et une base de données centralisée de lieux consacrés aux arts et à la culture, allaient créer une renaissance culturelle en Côte d'Ivoire: artistes, cinéastes, peintres pour contribuer à la guérison et à la cohésion sociale », a-t-il déclaré. «Notre travail consiste à rentabiliser ce secteur.»
Le slogan du ministère est le suivant: «L’art et la culture vont nous réconcilier».
Bandama a toutefois reconnu que le pillage avait posé des problèmes pour la restauration des infrastructures. Même le Palais de la Culture a été fermé pendant des semaines à la suite des élections de 2010. Sa réhabilitation symbolisait la volonté du pays d'aller de l'avant.
Néanmoins, une scène artistique contemporaine a besoin de plus qu'un lieu rénové pour prospérer: elle doit créer une industrie pour commercialiser ses œuvres, un lieu avec des galeries et des collectionneurs, des critiques et un public dévoué. Surtout, une scène artistique contemporaine en plein essor a besoin de continuité.
Il y a des Ivoiriens qui défendent la cause des artistes contemporains en Côte d'Ivoire: Simone Guirandou-N'Diaye, commissaire de la première exposition internationale d'arts visuels, qui s'est tenue au Palais de la culture en décembre dernier, à laquelle 50 artistes locaux et 15 artistes ont participé. artistes étrangers ont participé; Augustin Kassi, né à Abidjan, qui a fondé la Biennale de l'art naïf en 1998, utilise le festival comme plate-forme pour promouvoir d'autres artistes d'Afrique de l'Ouest; et Illa Donwahi, qui a créé la Fondation des arts Charles Donwahi en 2008 pour répondre aux canaux de distribution inadéquats (ou absents), aux musées et aux galeries destinés aux artistes de la relève. La fondation comprend trois villas, deux appartements et une résidence d'artistes.
Il existe également des collectifs d'art locaux, mais ces groupes ne génèrent pas les fonds nécessaires pour rendre les artistes autonomes, bien qu'ils fournissent un système de soutien et un sens de la solidarité. Les réunir avec d'autres groupes partageant les mêmes idées à l'extérieur du pays est une tâche herculéenne en soi. Le manque de bases de données centralisées et les emplacements distants de certains artistes peuvent rendre les réunions impossibles. Une base de données publique permettrait aux artistes de rejoindre facilement les acheteurs, les pairs et les galeristes intéressés, et faciliterait les rencontres d’expositions, les ouvertures de galeries et les festivals.
En effet, la plupart des artistes émergents en Côte d'Ivoire n'ont pas les liens avec la communauté artistique mondiale qui pourraient leur permettre de monétiser leurs talents. C'est pourquoi les expatriés se sont investis dans la revitalisation de la scène artistique contemporaine du pays en s'alignant sur les collectionneurs, les critiques et les aficionados ivoiriens afin de devenir des mécènes des arts.
Djôly du môgôba
La montée d'un artiste ivoirien
Un lapin maigre a trottiné derrière la dernière toile d'Aboudia, posée sous un toit ondulé dans le garage de l'agent Stefan Meisel. Quand Aboudia a emménagé avec Stefan, il a amené deux lapins blancs. Stefan les considère désormais comme «nos animaux de compagnie dans notre espace de travail».
Stefan et moi étions assis sur la terrasse. Le lapin me mordilla les doigts lorsque je cherchai mon verre d'eau. Ses yeux étaient brillants et bordés de rose; un bouquet de peinture acrylique bleue était incrusté dans sa fourrure.
Il y a cinq ans, Stefan "a rencontré une fille" et l'a suivie à Abidjan depuis Berlin. La ville lui convient, avec sa tenue décontractée et son comportement encore plus décontracté. Sa chemise à fines rayures était dégainée, ses cheveux en queue de cheval lâche. Il fumait sa troisième cigarette de la journée.
Une fois, Stefan était un artiste à part entière, mais comme il l'a dit franchement, il a démissionné parce qu'il s'était rendu compte qu'il ne serait jamais un «artiste de haut niveau». Parmi ses autres professions, il a occupé le poste convoité de photographe pour Côte Les Éléphants, l’équipe de football d’Ivoire, a supervisé la production de l’annuaire téléphonique du pays. Il est maintenant l'agent de plusieurs artistes ivoiriens en devenir.
«Après la première révolution à la fin des années 90 et la deuxième l'année dernière, la Côte d'Ivoire est devenue un peu un vide culturel», a déclaré Stefan. "Mais cela a changé en ce moment avec Internet et les influences extérieures."
Stefan a découvert Aboudia via Facebook lorsqu'il a vu les peintures d'Aboudia sur la page d'un ami. Il a visité l'atelier d'Aboudia dans le district d'Abobo et a accepté de lui verser une somme mensuelle de 300 000 CFA (570 USD) - la moitié pour ses matériaux de peinture et l'autre pour ses frais de subsistance. (Stefan m'a dit qu'Aboudia avait dépensé la majeure partie de l'argent sur les matériaux.)
Aboudia est née à Abengourou, une petite ville située à environ 240 km d'Abidjan. Lorsqu'il a annoncé à ses parents qu'il souhaitait devenir artiste, son père l'a mis à la porte, mais sa mère lui a confié ses économies (15 000 FCFA, environ 30 $ US) pour pouvoir obtenir une bourse à Abidjan. Il a obtenu la bourse, mais a dû dormir dans sa classe parce qu'il n'avait nulle part où vivre. Le matin, il prétendait qu'il venait de «venir d'une maison que je n'avais pas».
En décembre 2010, alors que la tension montait et qu'il y avait des explosions sporadiques à Abidjan, Aboudia a déménagé dans un studio de 10 m2 sans douche ni toilettes, avec seulement quatre peintures à son actif.
Il habitait près d'Abobogare, la gare ferroviaire de l'un des quartiers les plus peuplés d'Abidjan. La région a longtemps été un refuge pour les migrants et autres personnes démunies. Il s'est inspiré des graffitis d'enfants sur les murs publics, de la façon dont les enfants utilisaient du charbon pour gribouiller des images de voitures, de téléviseurs et d'autres symboles de statut.
«Les enfants sont devenus mon modèle: les plus faibles, pas pris au sérieux, boudés, seuls dans leur monde», a déclaré Aboudia.
«C'est un style pour enfants, comme les graffitis que l'on trouve dans la rue. C'est comme si c'était eux qui me transmettaient un message."
Aboudia qualifie son style artistique de «nouchi», l'argot urbain parlé par les jeunes d'Abidjan.
«C'est un style pour enfants, comme les graffitis que l'on trouve dans la rue. C'est comme si c'était eux qui me transmettaient un message."
Aboudia insuffle une signification à ses peintures en utilisant des objets recyclés tels que du papier à cigarettes, des sacs de ciment vides et des boîtes d'allumettes aplaties «Afrika». Dans le garage ouvert, vous trouverez une bibliothèque remplie d'objets trouvés: bandes dessinées, papiers à cigarettes, livres d'images, couvertures de magazines, dictionnaires…
La première étape du processus artistique consiste à superposer un collage sur une toile. Dans un tableau, une affiche du Moulin Rouge jette un regard noir sur une craie grise: «Découvrez… le cabaret le plus célèbre du monde». Dans un autre tableau, la photographie d'un guerrier africain est encadrée à l'acrylique noir, ses traits effacés par la peinture.
Dans la deuxième étape, Aboudia ajoute des peintures acryliques, puis termine la toile avec des crayons à pigments et du kaolin, une argile douce frottée sur la peau des participants aux cérémonies traditionnelles. Il a même utilisé du café instantané pour obtenir la bonne nuance de brun. La dernière étape est l'ajout de texte ou de chiffres. Le titre est généralement intégré à son oeuvre: "poison électoral", "ONUCI" (mission des Nations Unies en Côte d'Ivoire), "Interdit d'uriner" (l'urination est interdite ici).
Les premières peintures sont principalement dans les tons de terre et les pastels. Les enfants sont des personnages bâtons entourés des paroles rassurantes des personnages de la famille - «Un baiser, maman» - et les visages sont doux, la tête ovale, les yeux et la bouche arrondis évoquant l'innocence.
La peinture «Ne pisse pas - ça te cause des ennuis» a été réalisée en 2010 avant que les enfants ne soient menacés de guerre civile. Les mots «fine» et «palabre» (un autre mot pour une querelle) sont en suspens. Le tableau rappelle une époque où la police avait le temps de s'occuper de petits crimes.
Aboudia ne disposait pas de 0, 95 USD pour prendre le train. Il se promenait à 30 km du centre-ville d’Abidjan pour montrer ses peintures aux galeristes. Son travail a souvent été rejeté parce qu'il ne reflétait pas l'art traditionnel africain en termes de technique ou de contenu.
Historiquement, les Occidentaux ont insisté sur l'identification ethnique pour l'art africain. ils croient que cela devrait refléter la «culture traditionnelle»: une association avec la magie ou la sorcellerie, la représentation d'animaux africains comme les lions et les antilopes, l'utilisation de couleurs naturelles et de matériaux indigènes (comme les sculptures en or du Ghana ou les sculptures sur bois réalisées par les Baulé). les gens des arbres qui bordent la côte ivoirienne).
Avec Internet et la mondialisation croissante, l’art ivoirien commence à intégrer techniques et idées occidentales. La tradition est imaginée de différentes manières et les utilisations classiques de la forme et de la couleur sont écartées. Les artistes ivoiriens s'efforcent d'être reconnus en tant qu'individus plutôt qu'en tant qu'entités représentant des régions - ou tout le continent - de l'Afrique.
«De nombreux artistes travaillent dans un style africain traditionnel et certains copient des styles occidentaux célèbres en leur donnant une" touche africaine ". Mais seuls quelques-uns ont une identité, un style individuel », a déclaré Aboudia. «Vous savez, nous nous connaissons, nous faisons parfois l'une des rares expositions de groupe de l'année ensemble, mais c'est tout. Je suis habitué à être seul, à travailler seul… que la plupart des artistes n'aiment pas ou ne comprennent pas mon travail.”
Quand Aboudia a finalement vendu ses premiers tableaux, il a déclaré que ses clients étaient «les Blancs, les ambassadeurs [et] les galeristes d'autres pays».
En février dernier, les toiles d'Aboudia sont devenues plus grandes, plus occupées et plus sombres, avec des corps fantomatiques et squelettiques et une peinture écarlate. Ils ont un aspect cauchemardesque avec une bouche béante, des dents qui ressemblent à des pierres tombales, des lignes de mâchoires et des tempes droites et angulaires.
Aboudia a été comparé à Jean-Michel Basquiat, peintre d'origine haïtienne, qui a débuté sa carrière en tant que graffeur à New York. Aboudia a adopté certaines des techniques de Basquiat: les coups de pinceau spontanés, les têtes de mort crâniennes et les dents dénudées, la combinaison de texte, de supports et de codes - logos, mots, lettres, chiffres et pictogrammes. (Aboudia a peint «Hommage à Basquiat», dans lequel une silhouette de dreadlocks emblématiques du New York prend la scène.)
L'un des tableaux les plus célèbres d'Aboudia sur la guerre civile était «Invisible Commando», dans lequel un soldat est en train de tirer sur un policier. Stefan a déclaré qu'il était dangereux de montrer cette image pendant le conflit.
Le «commando invisible» était le surnom du sergent-chef Ibrahim Coulibaly. En janvier 2011, Coulibaly était à la tête d'un groupe de milices qui soutenait le président élu Ouattara. Il vivait dans l'ancien quartier d'Aboudia, Abobo, où sa milice a mené une série de raids surprises contre les forces pro-Gbagbo. Lorsque Gbagbo a été destitué, le président Ouattara a commencé à désarmer les milices des deux côtés, mais Coulibaly a refusé d'abandonner ses armes et a été tué dans une fusillade le 27 avril 2011.
Les couleurs de camouflage dominent la peinture, à l'exception d'un véhicule incandescent des Opérations des Nations Unies en Côte d'Ivoire (ONUCI) à l'arrière-plan. Une affiche intitulée «Vote Gbagbo» saigne dans le coin droit de la toile et montre l'ancien président confiant saluant le public.
Les artistes ivoiriens souhaitent que leurs œuvres soient appréciées pour leurs propres mérites plutôt que pour les circonstances dans lesquelles elles ont été réalisées.
La noirceur de cette période est palpable dans toutes les peintures d'Aboudia pendant la guerre. La superposition d'images déchirées imite la brutalité de l'environnement d'Aboudia, déchirée par les soldats et les bombardements. La multitude de chiffres et de lettres à l'arrière-plan ajoute à la confusion; les gens sont déformés à la lumière de la guerre civile. On aperçoit des têtes et des visages bandés avec les yeux crevés.
Les peintures inspirées par la guerre civile ont attiré l'attention du public sur Aboudia. Après une couverture médiatique internationale considérable, le galeriste Jack Bell a organisé la première exposition du peintre ivoirien l'été dernier à Londres. Maintenant, Aboudia peut vivre confortablement de ses revenus.
«[Le conflit] est ce qui intéresse les gens - et il ouvre la porte. Mais comme il a été reconnu dans le monde entier pour ses peintures de guerre, cela ne veut pas dire que les peintures précédentes étaient… moins », a déclaré Stefan. "Mais il a été le premier artiste à peindre le documentaire sur le conflit."
Et Aboudia ne se voit pas seulement comme un "peintre de guerre".
«Les conflits font partie de la vie, tout comme d’autres choses positives. Mon rôle est d'observer et de peindre. Si je ne peux pas faire ça, alors je suis perdu », a-t-il déclaré. «Si cela peut aider les gens à se souvenir de ce qui s'est passé ces derniers mois, c'est bien, mais j'ai surtout peint ces œuvres pour moi-même.»
Comme Stefan l'a dit: "Il peint parce qu'il doit peindre."
Les artistes ivoiriens ne se sentent pas définis par le conflit - ils veulent juste le laisser derrière eux. Les médias occidentaux ont tendance à se concentrer sur les aspects les plus misérables de l’Afrique de l’Ouest: guerre civile, pauvreté, sida. Les artistes ivoiriens souhaitent que leurs œuvres soient appréciées pour leurs propres mérites plutôt que pour les circonstances dans lesquelles elles ont été réalisées.
«La guerre et la crise qui l'ont précédée ont été un épisode que j'ai documenté, ni plus ni moins. Aujourd'hui, j'ai rangé mes pinceaux de guerre et je peins encore une fois les petites joies quotidiennes des gens », a-t-il déclaré. "J'ai commencé à retourner voir les enfants d'Abobogare."
Et Stefan est en train de lancer la première galerie en ligne d'art contemporain ivoirien en octobre 2012; il représente sa liste actuelle de clients, y compris Aboudia et le sculpteur Camara Demba. Il a nommé le site Abobogare.com.
Yubah travaille avec de jeunes artistes
Voyager entre les côtes de l'Europe et de l'Afrique
Virginia Ryan et Yubah Sanogo travaillent dans le quartier de Cocody à Abidjan. Virginia est une artiste australienne mariée à l'ambassadeur d'Italie en Côte d'Ivoire. sa résidence abrite un atelier d'artiste, où Yubah, d'origine ivoirienne de descendance Senoufo (groupe ethnique du nord de la Côte d'Ivoire), est son assistante depuis trois ans. Yubah fait la navette entre son domicile dans la ville de Bingerville et Abidjan.
Quand je suis arrivé à l'ambassade d'Italie, les gardes ont demandé une pièce d'identité, m'ont donné une rapide visite et ont ouvert la porte. J'étais en avance et Yubah était sorti pour le déjeuner. Un des serviteurs m'a emmené dans la véranda arrière où j'avais vue sur un jardin verdoyant en terrasse et une piscine bleu azur, où deux gardes du corps prenaient un bain de soleil.
Lorsque Yubah passa devant le coin de la maison, il portait le jeans du peintre emblématique et une chemise de golf rayée. Nous avons descendu les marches de la véranda et nous nous sommes dirigés à gauche vers le lieu de travail.
Le studio avait deux zones couvertes. L'une était tapissée de gazon artificiel pour des sculptures, comme la queue de la sirène géante faite d'extensions de cheveux noirs. Il y avait aussi une version plus petite de la queue de sirène, faite de fil métallique, de fils de plastique tordus et de têtes de poupées en plastique blanchies à la blancheur: elles ressemblaient à des coquilles brûlées par le soleil. Virginia et Yubah ont récupéré ces objets sur le littoral de la lagune Ébrié, où se trouve Abidjan.
Au cours de la guerre de l'année dernière, Yubah a fait la navette entre son propre espace de travail à Bingerville et l'espace de travail qu'il partage avec Virginia dans la résidence de l'ambassade d'Italie. Au plus fort de la crise en avril 2011, il n'a pas pu quitter la résidence de l'ambassade, mais cela lui a permis de travailler en permanence. Il m'a dit qu'il avait peint des images «sombres et pleines de tristesse et de paix» alors que des coups de feu retentissaient autour de lui. Pour illustrer ce point, il m'a montré une fissure dans l'un des murs, où une balle avait ricoché.
La situation à Bingerville était pire. Tandis que Yubah peignait là-bas, du sang a éclaboussé sa toile lorsqu'une balle a touché une femme qui se promenait avec son enfant.
«J'ai laissé la plaie [sur la toile] pour dire« plus jamais », a-t-il déclaré. «Cela m'a poussé à travailler plus fort. ça pousse qui je suis et ce que je peins.
Il a soigneusement décollé le plastique d'un ensemble complexe de têtes de sirènes qu'il avait réalisées avec Virginia pour l'exposition L'Esprit de l'eau en novembre 2011. Il a déterré des objets en papier mâché ornés de détritus du rivage - coquillages, membres de poupées et jouets soldats. Ils avaient un enchevêtrement d'extensions de cheveux et de billes pour les yeux. Les objets abandonnés qui rentrent à terre sont un thème récurrent dans les œuvres d'art de Virginie et se sont également infiltrés dans les travaux de Yubah.
Ce qui a maintenu ses «amis artistes» à Abidjan pendant la guerre de l’année dernière, c’est la conviction que leurs collègues artistes ont également continué à travailler.
L'exposition de Virginia intitulée The Spirit of the Water a été inspirée par l'idée que les mythologies voyagent d'un pays à l'autre et sont littéralement balayées à terre. Virginie a identifié la sirène comme un «porteur de mythologie» clé entre Européens et Africains pendant des siècles.
En janvier 2010, Virginia a demandé à des artistes de Côte d'Ivoire et du Ghana de créer des œuvres inspirées par le thème de la sirène. Avec le soutien de la Fondation Charles Donwahi pour l'art contemporain, l'exposition a été inaugurée le 25 novembre 2011 avec 50 œuvres alors que la crise commençait à s'aggraver. Les artistes avaient réalisé le thème de la sirène dans tout, du batik traditionnel au bronze et au plâtre.
Yubah a produit un cube appelé «La mère de la mer». Chaque côté du cube est inondé de blues pâles; D'un côté, une corde a été cousue dans la toile pour créer une queue de sirène et des mèches de cheveux. Il se trouve maintenant dans le salon de Virginia, l'une des nombreuses pièces qu'elle a achetées depuis son arrivée en Côte d'Ivoire en janvier 2010.
Camara Demba, une des clientes de Stefan, a créé une sculpture intitulée «Mamiwata meets Manga»; sa sirène a une couronne criarde, jaune, une queue grise et un torse vert foncé. Salif Youssouf Diabagaté, né à Abidjan, a peint sur la surface de sacs postaux réutilisés une sirène emprisonnée intitulée «Vision of Mami Wata». Dramane Quattara, un sculpteur originaire de Grand-Bassam, en Côte d'Ivoire, a créé deux moules en bataille en bronze, chaque tête liée à la queue de l'autre.
Il y avait aussi une queue de sirène vierge en papier mâché avec le mot «paix» dessus suspendu au plafond. Les artistes ont invité les participants à écrire leurs commentaires dans toutes les langues. C'est devenu l'œuvre collective ultime - une œuvre d'art conçue dans la salle et ne pouvant être complétée que par les mots d'autres personnes.
Début décembre 2010, l'exposition avait été annulée en raison de la guerre. Virginia s'est émerveillée de voir à quel point les gens étaient pleins d'espoir à l'exposition The Spirit of Water - quelques mois seulement avant que la ville ne s'effondre.
Mais ce ne sont pas des circonstances inconnues. Le conflit en Côte d'Ivoire a fait naître le souvenir du traumatisme subi par Virginie au début des années 90 à Belgrade. Au cours de cette guerre civile, elle a imaginé des moyens de «sortir de sa peau d’artiste et d’imaginer d’autres moyens de créer de l’art avec des gens pendant ou après une telle situation»
Un mouvement constant a caractérisé une grande partie de la vie de Virginia. Elle a vécu au Ghana, en Égypte, au Brésil et en ex-Yougoslavie.
«Mais au lieu que cela devienne une sorte de déplacement, l'expérience du déplacement nourrit totalement mon travail», a-t-elle déclaré. "J'essaie toujours de créer une sorte de stabilité parmi les expériences de mouvement."
Quand elle et son mari ont déménagé à Edimbourg, en Écosse, elle a obtenu un diplôme en art-thérapie. Cela renforçait son désir de se connecter avec d'autres groupes d'artistes. Pour elle, ce rassemblement de personnes fait partie du processus de guérison et constitue également un moyen d'aider les artistes émergents. En effet, ce qui a poussé ses «artistes artistes» à rester à Abidjan pendant la guerre de l’année dernière, c’est la conviction que leurs collègues artistes ont également continué à travailler.
«Je pense qu'il est extrêmement précieux que les artistes continuent à faire leur travail… c'est un signe qu'il existe une sorte de cohésion sociale», a-t-elle déclaré.
«L’art [est] toujours lié à l’action sociale. Même si je suis dans ma propre chambre en train de faire quelque chose qui semble séparé du reste du monde, ce n'est pas… À ce niveau, je pense que [l'art] est précieux en soi - vous n'en avez pas besoin pour d'autres raisons."
Virginia aimerait créer une fondation semblable à celle qu'elle a fondée au Ghana en 2004, afin de créer un réseau actif d'artistes et de développer l'art contemporain au Ghana. Il a augmenté à 100 membres.
Il a été un peu plus difficile de créer cette cohésion sociale à Abidjan, mais Virginie a réussi à promouvoir les artistes ivoiriens. Elle a dirigé un groupe appelé Abidjan Anglophone Art Safaris. Il est décrit comme «destiné aux amateurs d'art africain de l'ouest - en anglais» et donne aux expatriés l'occasion de s'initier à l'art contemporain et de dialoguer avec de jeunes artistes ivoiriens.
Les safaris d'art sont une double exposition: les amateurs d'art sont exposés à l'art de l'Afrique de l'Ouest et les artistes à un public plus large et à des acheteurs potentiels. En effet, la dualité apparaît souvent sur la scène artistique contemporaine en Côte d'Ivoire, qu'il s'agisse de la fusion de deux cultures ou de techniques classiques et modernes.
La relation entre expatrié et artiste n’est pas à sens unique. L'interaction avec des artistes d'Afrique de l'Ouest a modifié l'art de Virginie, passant de ses thèmes aux matériaux recyclés qu'elle utilise. À bien des égards, Virginia est ce qu’elle prétend étudier, une femme qui voyage entre les côtes de l’Europe et de l’Afrique.
Lorsque des objets mis au rebut sont sauvés, ils revêtent de multiples facettes: pratique et écologique, car les ordures deviennent de l'art; intemporels, car ils ont une seconde vie en migrant d’un rivage à l’autre, puis de leurs environnements trouvés vers la toile de l’artiste. Ils deviennent également des artefacts imprégnés d'histoire chaque fois qu'ils sont récupérés du rivage.
Lorsque Virginia est allée à Accra, elle a traîné toutes ses fournitures d'art coûteuses, mais elle s'est sentie coupable de les utiliser alors que personne d'autre n'en avait les moyens. Elle a observé la créativité des artistes ghanéens en utilisant ce qui les entourait et a adopté leur philosophie.
Dans l'art traditionnel de la Côte d'Ivoire, la fonction prime sur la forme. Il ne s'agit pas tant de la beauté de l'objet que du but recherché. Bien que les Occidentaux aient tendance à apprécier l'art pour lui-même, l'art de l'Afrique de l'Ouest a toujours été lié à ses utilisations variées plutôt qu'à sa valeur esthétique. Par exemple, un masque peut représenter des ancêtres ou des esprits puissants et facilite la communication entre les êtres humains et les êtres surnaturels. D'autres objets sont fabriqués sous la forme de figures humaines et animales; ils sont utilisés pour conjurer les maux de la maladie, des catastrophes naturelles ou de l'infertilité.
Historiquement, l'objet doit être utile avant de pouvoir être rendu beau. sa beauté fait simplement partie de sa fonction. Pour cette raison, les articles mis au rebut avaient peu de valeur et étaient perçus comme inutiles ou obsolètes. Mais Virginie a aidé à éliminer cette stigmatisation pour Yubah, qui les utilise maintenant régulièrement dans son art.
«Si vous recyclez un objet et lui insufflez une nouvelle vie, il s'agit en quelque sorte d'espoir et de régénération - et c'est ce que les gens doivent ressentir après une grande blessure comme une guerre», a déclaré Virginia.
En embrassant les techniques ivoiriennes et européennes, il devient un lien entre la scène artistique ivoirienne contemporaine et la scène mondiale.
L'utilisation par Yubah de matériaux recyclés reflète non seulement un mouvement artistique contemporain, mais encourage également d'autres artistes à utiliser des objets facilement disponibles et économiques pour leur art - et à imaginer différentes utilisations de ces objets: le fil de poulet peut être moulé en bijoux; des ailes de papillon sont cousues pour faire une tapisserie; les bidons vides deviennent une batterie. Et ils deviennent en réalité des symboles du renouveau du pays après la guerre civile.
En 2010, Yubah a commencé à travailler avec Terre des Hommes, une organisation qui gère un programme d’éducation informelle pour les enfants des taudis du sud-est de la Côte d'Ivoire. Il a collaboré avec ces enfants sur une sculpture réalisée à partir de matériaux de ferme recyclés. Ils l’ont également aidé à récupérer des sacs d’eau dans les rues, des feuilles en lambeaux et des colliers et chaussures abandonnés à terre. Le produit final a été recouvert de peinture blanche et décoré d'une poignée d'étoiles noires. Le but de la sculpture était de prouver à ces enfants qu’être un artiste n’était pas en dehors de leurs moyens.
Yubah est également président d'un collectif local, la Young Artists Association à Bingerville, qui offre aux jeunes artistes un soutien et un mentorat après leurs études.
«Avant que les artistes aient terminé leurs études, ils n'avaient aucune direction à suivre», a-t-il déclaré. «Nous avons donc décidé de travailler ensemble pour ramener ces étudiants au contact d’artistes plus expérimentés afin d’améliorer leurs compétences techniques et professionnelles. Nous voulons travailler avec tous les artistes visuels en Côte d'Ivoire et d'autres artistes [en Afrique].”
Il n'y a pas de frais d'adhésion; Au lieu de cela, chacun des 50 artistes doit fournir un tableau pour une exposition qui, espère-t-il, générera des fonds pour les besoins de l’association, allant du matériel de peinture au lieu de travail.
Lors de la guerre de l'année dernière, les artistes de Bingerville ont collaboré pour pouvoir continuer à créer de l'art en partageant espaces de travail et fournitures - et ont montré leur solidarité en continuant de travailler pendant la crise.
Dans le cas de Yubah, son oeuvre a affirmé un autre fait: en embrassant les techniques ivoiriennes et européennes, il devient en réalité un canal reliant la scène artistique ivoirienne contemporaine à la scène mondiale.
«Je fais un mélange [des formes d'art], parce que, au fur et à mesure que je me familiarise avec le monde, je veux que chaque personne se retrouve dans mon travail, dans mes peintures», a-t-il déclaré.
Les pieds dans la tradition, la tête dans le modernisme
Mère U (Mère U)
La Galerie LeLab est un collectif d’artistes de la zone 3 situé à Abidjan et dirigé par un Français, Thierry Fieux. Fieux a lancé LeLab pour promouvoir et vendre le travail d'artistes ivoiriens contemporains. Il s'investit également dans leur formation sur les pratiques actuelles en arts visuels pour les rendre plus compétitifs sur la scène mondiale. LeLab expose actuellement les œuvres de six artistes.
Prenant à cœur l’affirmation du ministre de la Culture et de la Francophonie selon laquelle les festivals sont le fondement de toute culture, Thierry a lancé le Festival international des arts visuels d’Abidjan en 2007.
Il s’agit d’un festival multidisciplinaire qui comprend, entre autres, des peintures, des sculptures, des photographies et un symposium. Son objectif est de réunir des artistes d'Europe, d'Amérique, d'Asie et d'Afrique autour du thème de l'art et du développement. Il met également en lumière les artistes émergents qui exposent leurs œuvres pour la visualisation et la vente à la Galerie LeLab. Le festival se déroule sur trois semaines à la galerie, à la Fondation Charles DONWAHI pour l'art contemporain et dans d'autres lieux artistiques en Côte d'Ivoire.
À l'instar de la liste d'artistes de Stefan, la plupart des artistes de Thierry sont de jeunes ivoiriens qui cherchent à vivre de leur art. Il y a un manque distinct d’artistes ivoiriennes. Historiquement, les femmes ont été exclues du monde des beaux-arts. les préjugés sexistes sont encore forts aujourd'hui en Côte d'Ivoire et l'idée persiste que la place de la femme est à la maison, où elle peut élever des enfants et s'occuper des tâches ménagères.
Djeka Kouadio Jean-Baptiste est l'un des artistes émergents de Thierry. Il expose régulièrement à la Galerie Lelab et a été l'assistant d'Aboudia à l'atelier d'art en février. Comme Yubah, Djeka travaille chez lui à Bingerville.
Le peintre de trente ans est né à Bouaké, la deuxième ville de Côte d'Ivoire. Il entretient un lien étroit avec son héritage ivoirien et déplore que ses ancêtres soient des «intellectuels oubliés». Dans ses compositions, il dessine des symboles d'objets en trois dimensions tels que masques, statues, figurines et balances pour peser Akan. or.
Djeka s'est distingué en tant qu'artiste en utilisant une technique d'empâtement pour représenter les liens entre les personnes, leurs valeurs culturelles et l'univers. La technique s'appelle le «couloir», où il laisse couler plusieurs couleurs sur sa toile. Ses coups de pinceau créent du mouvement et de la tension dans ses peintures. L'épaisseur de la peinture et son utilisation de symboles et de motifs géométriques font apparaître les peintures en trois dimensions. Il superpose parfois des images sur du papier journal, technique également utilisée par Aboudia. Il réinvente les images traditionnelles et utilise des techniques modernes pour les traduire sur sa toile.
Djeka a déclaré qu'il mettait l'accent sur l'héritage ésotérique et africain dans ses œuvres. Il souhaite que l'observateur réfléchisse aux dimensions spirituelles et historiques de ses peintures. Il rend hommage à ses ancêtres («parce que nous sommes le peuple actuel d'une génération passée»), mais souhaite également contester leur concept d'art ivoirien.
Djeka est resté à Abidjan et a peint pendant le conflit. Comme Yubah, il travaillait continuellement dans son studio chez lui à Bingerville. Il ne nie pas que le conflit a influencé son travail, mais cela n’est pas spécifique à la guerre civile de l’année dernière.
"Quel thème est plus conflictuel [que l'héritage africain] entre nous?" A-t-il demandé. «Depuis mes débuts dans les arts, le conflit est un mot quotidien… surtout lorsque nous voulons [annoncer le retour] de la culture en Afrique et particulièrement [en Côte d'Ivoire]."
Djeka m'a dit qu'il avait les pieds dans les traditions mais la tête dans le modernisme.
Le sculpteur Camara Demba
Camara Demba, une des clientes de Stefan Meisel, a exposé à la Galerie Lelab et partage avec Djeka un processus artistique similaire en termes de fusion du traditionnel et du moderne.
Camara est né dans le métier de sculpteur et a commencé à travailler dans cette forme d'art dans son enfance. Dès son plus jeune âge, il acquit une profonde connaissance des matériaux et des traditions anciennes de la sculpture ivoirienne. Les masques ancestraux ont inspiré ses premières œuvres - il a sculpté des statues en bois et y a incorporé des coquillages, des montants en métal et des clous pour reproduire les marques de scarification.
À vingt ans, Camera a apporté une touche moderne à son art. Il a pu accéder aux médias occidentaux et à Internet et a été fortement influencé par les bandes dessinées Manga et les sculpteurs occidentaux.
En 2000, il connaît un certain succès et trouve un agent qui facilite la vente de ses œuvres en Europe. Malheureusement, l'agent a pris l'essentiel de ses gains. Le sculpteur est revenu aux formes d'art traditionnelles pour gagner sa vie, mais une rencontre fortuite avec Stefan en 2011 a enflammé son désir de réintégrer le monde de l'art contemporain.
L'année dernière, il a produit une collection appelée Demba Manga. Dans les 30 créations de Camara, objets ancestraux et animaux tels que les oiseaux, les éléphants, les antilopes et les crocodiles se mêlent à cet univers de science-fiction et de jeux vidéo. D'autres robots sculptés ont des corps africains traditionnels, mais les couleurs vives et les têtes de super-héros de manga aux yeux anormalement grands et aux cheveux verts ou bleus.
Dans la maison de Stefan, j'ai vu quelques-unes des sculptures de Camara, en bois peint épais. La densité du bois et le lustre des peintures leur donnaient l'impression d'être en plastique ou en métal.
Une des sculptures ressemblait à un astronaute; une pédale de bicyclette jaillit de la tête et la main gauche était une pièce recyclée provenant d’une imprimante ou d’un réfrigérateur en panne. Mais la sculpture avait les emblèmes de la culture ivoirienne traditionnelle: la scarification du corps, le visage en masque, les jambes rondes.
Stefan a décrit Camara comme un artiste faisant partie de la «génération d'entre-deux» après l'indépendance de la Côte d'Ivoire en 1960.
«Il ne s'est pas encore vraiment détaché de sa tradition familiale, mais il n'est pas encore arrivé dans un style indépendant. Mais Camara Demba est une véritable représentation de son époque et de sa génération - un précurseur de l’art contemporain africain, pas de copie, mais influencé des deux côtés. S'il [continue comme ça], il sera la [référence] de la prochaine génération.”
Un artiste, pas un mendiant
La première fois que j'ai vu l'artiste Adamo Traoré, il a été installé à côté de l'entrée du centre commercial, Hypermarche Sococé, presque effacé par la poussière et la fumée. Un grand parapluie était empalé sur les tiges pointues de la porte du centre commercial. En vertu de cela, Adamo s'asseyait et peignait ou parcourait son inventaire.
L'artiste de 32 ans peint avec un stylo entre le menton et le bout du bras restant. Il est né sans membres inférieurs ni bras, mais est capable de marcher avec une béquille. Avant qu'il n'arrive, un garde de sécurité dresse ses peintures le long des barres peintes des portes; puis, quand Adamo arrive en taxi depuis Adjamé, un quartier d’Abidjan, le gardien l’aide à organiser ses papiers et ses toiles, ainsi que ses palettes de gouache (aquarelle opaque).
J'ai rendu visite à Adamo à la fin du mois de mai. Il est arrivé à Sococé juste avant midi, portant une sacoche sur son corps pour contenir l'argent qu'il recevait.
Je me suis accroupi sous son parapluie pour éviter le soleil de midi. Il était difficile de croire qu'il était là depuis 2007; Bien que les propriétaires de Sococé aient généreusement partagé l'espace extérieur avec lui, l'environnement n'est guère idéal. Néanmoins, il est capable de produire quinze dessins par jour - bien que le tableau qu’il doit faire par la suite prenne beaucoup plus de temps.
Adamo au travail
Ses peintures représentent les paysages de la Côte d'Ivoire: forêts luxuriantes et équatoriales et lacs limpides remplis de poissons («assez de poisson pour tout le monde», m'a-t-il dit). Les peintures de ses enfants représentent Dora l'exploratrice dans divers contextes exotiques. La religion figurait également en bonne place: dans un tableau, Jésus éleva une flamme de supplication, le visage encadré par une couronne de roses; dans un autre, des feuilles de palmier et un ciel bleu sarcelle encadraient une mosquée.
Bien que les gens apprécient son art, il a admis que la vente peut prendre des mois et que le soleil et la pluie dégradent ses peintures. Il espère avoir un espace de travail à l'intérieur. même après cinq ans à Sococé, son optimisme semblait demeurer inchangé.
À l'âge de neuf ans, Adamo rencontre le directeur de Providence, un centre pour enfants handicapés physiques. Son objectif principal était de rendre les 200 enfants du centre indépendants. Marie Odile Bilberon, née en France, a accueilli Adamo au centre et lui a appris à marcher, à parler français et à se brosser les dents. Elle l'a également initié au dessin et lui a appris à définir et à harmoniser les couleurs. Il a participé à des expositions et produit des cartes de vœux vendues par Providence afin de recueillir des fonds pour l’institution.
Un jour, sa mère est venue chez Marie Odile pour lui demander de l'argent et Marie Odile a refusé. Adamo ne pouvait pas croire qu'ils ne pourraient pas épargner quelques francs à sa mère après tout ce qu'il avait donné à l'organisation. En 2000, il est parti et a déménagé chez des amis dans le district d’Abobo, où il a supplié dans les rues pour survivre.
Mais en 2005, il décide de retourner à la peinture et s'installe finalement à Sococé. Il a eu peu d'absences, sauf pendant la crise de l'année dernière, lorsqu'il a été contraint de se réfugier chez lui à Abobo.
J'ai dit à Adamo que c'était mon premier achat d'art d'Afrique de l'Ouest et lui ai demandé de choisir le tableau qu'il voulait que je possède. Tout d'abord, il m'a montré une peinture en sourdine dans les bruns et les beiges. À première vue, cela ressemblait à un objet amorphe enterré dans le sol. Adamo m'a dit que c'était une image d'un ventre et que le bébé était handicapé physique. Au-dessus du bébé se trouvaient les mots «L'avortement n'est pas correct».
"Vous ne devriez pas détruire ce que Dieu vous a donné", dit-il avant de passer au tableau suivant; dans celui-là, Jésus tenait une bougie.
«Il me donne du courage», a-t-il déclaré. Je suis un artiste. Je ne suis pas un mendiant. »Il répéta cette phrase plusieurs fois ce jour-là.
«Je vais prendre celui-ci», dis-je. Alors que je m'avançais pour mettre l'argent dans sa sacoche, une femme a jeté 5 000 CFA (10 USD) par la fenêtre de sa voiture. Adamo sourit juste assez longtemps pour attirer son attention, puis retourna à sa liasse de papiers et radia sa dernière vente de la liste.
[Remarque: cette histoire a été produite par le programme Glimpse Correspondents, dans lequel des écrivains et des photographes élaborent des récits longs pour Matador.]
